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Espacio cultura del vino > francia

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19 resultados

DEMARTEAU, Guilles

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Fue a París con su hermano Giuseppe Goldsmith y se hizo famoso como grabador. Perfeccionó el proceso de grabado tal como lo había aprendido de J.-Ch. François. En 1757 recibió del rey el privilegio de grabar y publicar libros de ornato y floram durante diez años. En 1767 exhibió algunos grabados de Boucher y Cochin. En 1770 fue nombrado grabador de los diseños del gabinete del rey. Interpretado con técnica precisa y elegantes obras maestras pintores flamencos e italianos, pero especialmente los principales artistas franceses del siglo XVIII, Watteau, Boucher, Fragonard, J.-B. Huet, Pierre Cochin y Bouchard. Tenía un sobrino Gilles-Antoine Demarteau, nacido en París en 1756 y muerto allí en 1802.Pintor y gravador nacido en Bélgica pero que desarrolló su carrera en Francia. Fue patrocinado por Louis XV, y miembro de la Academia de París en 1764. Fue el inventor de un nuevo modo de grabado, imitando el dibujo a lápiz sanguíneo, y ejecutó muchas obras después de Boucher, Cochin y Huet.

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CHAGALL, Marc

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Pintor francés de origen ruso. Nacido en una pequeña aldea rusa, sus inquietudes artísticas le llevaron a París en 1910, donde alcanzó su madurez artística.
Volvió a Rusia en 1914 y participó activamente en la renovación cultural de su país, pero sus disputas con Malevich y las exigencias revolucionarias de vincular compromiso político y obra artística le llevarían a marchar a Alemania en 1924. Su condición de judío le obligaría después a un peregrinaje por Francia y Estados Unidos, que le devolvería definitivamente a Francia al concluir la Segunda Guerra Mundial.
Su asimilación de las dos vanguardias señeras, fauvismo y cubismo, es patente en los cuadros que realizó en sus primeros años parisienses. Composiciones como El poeta (1911, Philadelphia Museum of Art) y Homenaje a Apollinaire (1912, Stedelijk van Abben Museum, Eindhoven) son plenamente cubistas, mientras otras, como El padre (1911, Colección privada, París) siguen a rajatabla las consignas fauvistas.
Desde el primer momento, sin embargo, estas influencias formales se funden con el sustrato más profundo de sus propias vivencias personales, profundamente arraigadas en su Vitebsk natal y en el hecho de pertenecer a la comunidad. Las referencias al mundo campesino en el que pasó su infancia -las casas aldeanas, la ordeñadora, la pareja de labriegos- así como el motivo vegetal en primer término, son algunas de las imágenes que con mayor constancia repitió a lo largo de toda su obra. Todas ellas tienen como referente común el mundo de su niñez y Chagall hace uso de ellas encastándolas con la arbitrariedad del ensueño y la nostalgia.
En otras ocasiones, la apariencia ilógica de sus imágenes deriva de la simple transcripción al lenguaje visual de expresiones comunes del lenguaje hablado, que Chagall retoma y visualiza como forma de revelar experiencias psíquicas. Así puede interpretarse el flotar en el aire de la pareja de amantes en cuadros como El cumpleaños (1915, MOMA, Nueva York), pintado poco después de su matrimonio con Bella, su musa durante largos años.
La idea de "perder la cabeza" se materializa en A Rusia, los asnos y los demás (1911-1912, Museo Nacional de Arte Moderno, Centro Georges Pompidou, París); donde la cabeza separada del tronco no es sino una arbitrariedad explicable, al igual que la vaca roja sobre un tejado o la ingravidez de la mujer, por el placer de crear una fábula visual donde la irrealidad no necesita justificarse.

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MARTINET

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Editorial de grabados en la Francia del siglo XIX. Casa fundada en 1796 y desaparecida en 18??

La casa Martinet fue dirigida por Aaron Martinet, hijo del grabador François-Nicolas Martinet, desde 1796 hasta 1824. - Aaron Martinet vende su editorial a su yerno Herménégilde-Honorat Hautecoeur, quien se la entrega a sus hijos Eugène y Alfred en 1843. Se unieron bajo el nombre de "hermanos Hautecoeur" hasta 1867, cuando todos asumieron la responsabilidad de su casa: Alfred dirige la editorial rue de Rivoli, bajo el nombre de "Old House Martinet". y Eugene ese Boulevard des Capucines, que mantiene el nombre de "Maison Martinet"

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PIRANESI, Francesco

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Hijo del célebre Giovanni Battista Piranesi, Francesco fue un grabador, diseñador y arquitecto italiano. Como hiciera su padre, continuó sus series de grabados sobre monumentos y templos de la antigüedad. Ejerció su profesión durante un lago período de tiempo en Francia, dónde vivió durante la revolución francesa. Fundo, con su hermano Pietro, la Calcografía Piranesi en París.

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ARROYO, Eduardo

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La trayectoria personal y artística de Eduardo Arroyo (Madrid, 1937) resulta muy representativa de su generación. Nace durante la Guerra Civil, se educa en el Madrid de la posguerra, y vive el exilio en Francia durante la dictadura franquista hasta que decide regresar a España en 1976, a partir de la promesa del establecimiento de las libertades democráticas. Arroyo representa la continuidad de una identidad de artista que generaron las vanguardias en los años treinta, y a cuya configuración contribuyen decisivamente artistas españoles como Pablo Picasso y Joan Miró. En el caso de Arroyo, se trata de una identidad marcada por las pautas de comportamiento de “lo español”, lo que influye en su trayectoria creativa.

En la carrera del artista cabe diferenciar dos etapas: en el exilio (1958-1976) y después del exilio (1976-1998), significativamente separadas por la devolución de su pasaporte español. Su pintura de los años sesenta se aproxima a los postulados de la Nueva Figuración (o Figuración narrativa), que por su vertiente más política se encuentra cercana a su vez a los presupuesto del Arte Pop. No obstante su obra está dominada por la temática española, interpretada desde la ironía y la crítica en respuesta a la situación política del país, como puede advertirse en Sama de Langreo (Asturias), sep 1963. El minero Silvino Zapico es arrestado por la policía (1967) o en Caballero español (1970). También recurre a guiños a la historia de la pintura, como en la obra Vivir y dejar morir o el fin trágico de Marcel Duchamp (1965), serie realizada junto a los artistas Giulles Aillaud y Antonio Recalcati o España te Miró. La Masia (1967). En los años sesenta también inicia su trabajo como escenógrafo, colaborando con Klaus Grüber. La primera etapa se cierra con la monumental Ronda de noche (1975), pastiche y reconstrucción del cuadro de Rembrandt van Rijn, con el que quiere analizar y denunciar las relaciones ente arte y poder.

Arroyo encuentra en la figura de Ulises la metáfora y el tema idóneos con los que narrar su propia experiencia, como en Dichoso quien como Ulises… (1977), mientras que adopta al deshollinador para equipararlo metafóricamente con el oficio de pintor, como en Madrid-París-Madrid (1984), tras asumir anteriormente el papel de boxeador y torero. A partir de los años ochenta amplía el concepto y el contexto de lo español al tiempo que aumenta la carga irónica de sus narraciones pictóricas, que centra en figuras españolas como Carmen Amaya en Carmen Amaya fríe sardinas en el Waldorf Astoria (1988). También aborda con mayor frecuencia temas de política nacional e internacional siempre desde la comicidad crítica, sea en sus óleos, esculturas, dibujos, collages o fotografías, como puede apreciarse en Gorbachov (1986), Dama de Elche (1986) y Dama de Baza, (1994).

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KROL, Abraham

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Abram Krol nació en Pabianice, Polonia, en 1919. Pintor y escultor judío jasídico, cuya obra maestra es una edición de la Torá con 187 grabados, emigró a Francia en 1938, donde pasó el resto de su vida. La primera intención de Krol era convertirse en ingeniero civil, para lo cual se matriculó en la Universidad de Caen. Cuando se declaró la guerra en 1939 se unió a la Legión Extranjera.Krol se desmovilizó en Aviñón, donde trabajó como mecánico en un garaje, mientras dedicaba sus domingos a un curso de escultura en el Beaux-Arts, Aviñón. Desde 1943, también comenzó a pintar. Armado con documentos de identidad falsos, Krol fue a París ocupada por los nazis. Allí, después de la guerra, aprendió el arte del grabado de Joseph Hecht. Su primera exposición fue en 1946 en la galeria Katia Granoff; y la más reciente fue en 2008 en la biblioteca pública de Dijon. En 1960 fue invitado a exponer en la Bienal de Venecia. Junto a su copiosa producción de grabados individuales, desde 1949 Krol comenzó a crear livres d'artiste; en 1952 ganó tanto el prix du livre illustré como el prix Daragnès. En Gran Bretaña, el logro de Krol fue honrado en la exhibición de 1994 en el V & A, Tres Maestros del Grabado: Roger Vieillard, Albert Flocon, Abram Krol

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LOMBART, Pierre

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Lombart fue un protestante francés que trabajó en Londres. A pesar de ser el mejor grabador en Inglaterra en estos años, gran parte de su vida aún nos es desconocida. Hizo su testamento en París el 30 de octubre de 1681, cuando cumplió 69 años y murió más tarde ese día. Esto ubica su nacimiento en 1612/3.

Nada se sabe de su formación como grabador. Sus primeros trabajos en Francia se realizaron para editoriales desde 1637 hasta finales de los 1640. El primer rastro de él en Inglaterra es en 1649, y estuvo muy involucrado en el grabado de las placas para las diversas publicaciones de Ogilby. Se lo puede seguir en Londres a través de planchas hasta 1660. En 1663, sin duda, volvió a París y permaneció allí por el resto de su vida. El 9 de octubre de 1673 fue recibido por la Académie Royale de Peinture, pero como nunca llegó a completarla, nunca se convirtió en miembro de pleno derecho. Su última placa fechada es en 1674.

Lombart rápidamente estableció una reputación en Londres. En 1654, Lombart grabó muchas de las planchas según los diseños de Clein para Ogilby's Virgil, así como el frontispicio de retratos del propio Ogilby. En 1660 hizo algunos platos para la Ilíada de Ogilby, una composición de doble hoja de Adán y Eva en el Paraíso para la Biblia de Ogilby, y el frontispicio para Juvenal de Stapylton.Sus grabados ahora han sido catalogados por Grazia Rapacciuolo y ascienden a cerca de 200. Es posible que Lombart también fuera a Londres en parte para dedicarse a la pintura. Después de su regreso a París, continuó haciendo distinguidos grabados de retratos.

FUENTE: British Museum

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PRIETO MUÑOZ, Gregorio

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Prieto Muñoz, Gregorio. Valdepeñas (Ciudad Real), 2.V.1897 – 14.XI.1992. Pintor, dibujante y grabador.

El padre tenía un bazar en la misma Valdepeñas. La madre moriría dos años más tarde del nacimiento del futuro pintor, y en 1899, el padre contrajo segundas nupcias. En 1905 se trasladó con su familia a Madrid, donde residirá hasta mediados los años veinte.

Desde muy joven sintió gran atracción por el dibujo y la pintura, algo que contrariaba al padre, que deseaba que su hijo llegara a ser ingeniero de Caminos, Canales y Puertos. Con este último objetivo, el padre le inscribió, en 1911, en la Escuela Industrial de Madrid, donde estudió durante tres años y realizó unos dibujos lineales que causaron la admiración de sus compañeros. A escondidas de su familia se matricularon, en 1914, en la Escuela de Artes y Oficios, para preparar su ingreso en la Real Escuela de San Fernando.

Lo logró al año siguiente y consiguió que el padre cediera ante su firme vocación.

En 1917 obtuvo una beca de cinco meses para la residencia de Paisajistas del Paular (Segovia), que dirigía Muñoz Degrain, beca que conseguirá de nuevo al año siguiente. En 1919 expone individualmente, por primera vez, en el Ateneo de Madrid. Tras la buena acogida de sus obras con motivo de una exposición colectiva de los artistas pensionados para El Paular, realizada el mismo año, es invitado a exponer en Bilbao y Barcelona. La Diputación de Ciudad Real le concede una pensión de tres años para que prosiga sus estudios y es seleccionado para una exposición de pintores españoles en la Royal Academy de Londres y para otra en el Círculo de Bellas Artes de Madrid.

En 1922 obtiene una tercera medalla en la Exposición Nacional de Bellas Artes de 1922, y en 1924 expone individualmente en el Museo de Arte Moderno y el Palacio de Bibliotecas y Museos de Madrid.

Su paisajismo viene marcado por el impresionismo.

La pincelada tiende a fragmentarse y sabe dar intensidad y modulación al juego de la luz. Pronto, sin embargo, acentuará la construcción, por influencia de Vázquez Díaz, y derivará a una evidente influencia cubista. Para entonces ha conocido y trabado amistad con varios poetas de su generación, sobre todo Rafael Alberti, con el que le unirá gran amistad, Vicente Aleixandre y Federico García Lorca.

El año de 1925 marca el principio de una nueva etapa en su vida y su obra. Después de exponer de nuevo en el Círculo de Bellas Artes de Madrid, la Junta de Ampliación de Estudios le otorga una beca de tres años para estudiar en los museos de Francia y Gran Bretaña. En 1926 participa en la Bienal de Venecia y expone en La Grand Maison de Blanc, de París, presentado por Jean Cassou. Siguen años de una actividad muy intensa, en los que expone individualmente con frecuencia, en España y en otros países. En 1928 obtiene, en Madrid, el Gran Premio de Roma, consistente en una beca para la estancia de cuatro años en la capital italiana. Antes de su partida, la Sociedad de Amigos del Arte le organiza una exposición en el Palacio de Bibliotecas y Museos. El catálogo tiene textos sobre su pintura escritos por Vicente Aleixandre y Rafael Alberti.

Al igual que en París, su simpatía y sentido de la relación social le abrirá muchas puertas y le permitirá conocer a influyentes personajes de la vida cultural italiana. Margherita Sarfatti le organiza una exposición en la Asociacione Artistica, de Roma, y el catálogo contiene textos de Marinetti y Alfonso Reyes. En Roma surje una gran amistad con Eduardo Chicharro “Chevé”, pensionado como él, quien influirá decisivamente en Prieto. Esta nueva orientación vendrá reforzada por el interés que mostrará por la obra de De Chirico, del que se encuentran ecos en una serie de cuadros con maniquíes, entre los que destaca Luna de miel en Taormina (c. 1930), y en El caballo de bronce (c. 1930 también). Este último cuadro le representaría en el Pabellón Español de la Exposición Internacional de París de 1939. En sus viajes por Italia y Grecia se siente especialmente atraído por los vestigios de sus antiguas culturas, interés que se reflejará intensamente en su obra.

Al comienzo de la Guerra Civil se encuentra en Madrid, pero consigue volver a Londres, donde había decidido establecerse. Allí continuará durante la Segunda Guerra Mundial. Es muy amplio su trabajo como ilustrador de libros ajenos y libros propios.

La exposición que tendrá mayor repercusión en el Reino Unido será la celebrada en las galerías Lefevre, de Londres. Es muy importante la labor que realiza como dibujante: retratos y escenas con estudiantes en Oxford. Durante un tiempo alberga en su casa a Luis Cernuda, durante la estancia del poeta en Londres.

Su vuelta a España se produce, paulatinamente, a partir de 1947. En 1948 es nombrado Hijo Predilecto de Valdepeñas y al año siguiente aparece en la Colección Adonais el libro Poesía en línea, a él dedicado por Vicente Aleixandre. El mismo año se integra en el grupo de los Postistas, que habían elegido ya en 1945 una de sus fotografías surrealistas para la portada de su revista Postismo.

En 1950 presenta en el Museo Nacional de Arte Moderno la mayor exposición antológica celebrada hasta entonces, con 116 obras. En el marco de una nueva exposición celebrada al año siguiente en la Canning House, en Londres, pronuncia una conferencia José Ortega Gasset. Dos años más tarde, viaja a los Estados Unidos, con motivo de una exposición individual organizada por la galería Aleixandre Iolas de Nueva York. En 1957 obtiene una primera medalla en la Exposición Nacional de Bellas Artes, y una primera también en la sección de dibujo en la de 1962.

Su presencia es constante en exposiciones individuales y en las principales manifestaciones artísticas del arte español, y en 1978 se presenta una Exposición Antológica de su obra en las Salas de Exposiciones de la Biblioteca Nacional de Madrid.

Su pintura se ha ido centrando en paisajes de La Mancha y de otras regiones españolas, temas de carácter histórico y religioso y una larga serie de retratos al óleo y en dibujo (diversas versiones de Federico García Lorca, alguna de las cuales han tenido gran divulgación, Miguel Hernández, Menéndez Pidal, Azorín, Dámaso Alonso, entre otros). Es curiosa su larga serie de barrocos collages que llamaba pop-arts, en los que mezclaba temas contemporáneos con otros de tipo tradicional. Prosigue asimismo su actividad como ilustrador de libros de grandes poetas y como autor de libros de los que él mismo es autor del texto.

En 1982 le es concedida la Medalla al Mérito en las Bellas Artes, que recibe de manos del Rey, y en 1987, la Medalla de Oro de la Ciudad de Valdepeñas.

El 19 de febrero de 1990 es inaugurado oficialmente por S. M. el Rey el Museo de la Fundación Gregorio Prieto en su ciudad natal, y el 27 de octubre del mismo año es nombrado académico de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando. Muere el 14 de noviembre de 1992, cuando contaba noventa y cinco años.

FUENTE: Real Academia de la Historia

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MIRÓ, Joan

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Joan Miró nace en Barcelona en 1893, pero sus paisajes emocionales, los que lo formarán como persona y artista, son esencialmente Mont-roig, París, Mallorca y más adelante Nueva York y Japón. Mont-roig, una pequeña población de la comarca del Baix Camp, será el contrapunto a la agitación intelectual que vive en París en los años veinte junto a los poetas surrealistas, y al estímulo del expresionismo abstracto que descubre en Nueva York en los años cuarenta. Más tarde, en plena Segunda Guerra Mundial, Joan Miró abandonará su exilio en Francia y se instalará en Palma de Mallorca, espacio de refugio y de trabajo, donde su amigo Josep Lluís Sert diseñará el taller que siempre había soñado.

El arraigo al paisaje de Mont-roig primero y al de Mallorca después será determinante en su obra. El vínculo con la tierra y el interés por los objetos cotidianos y por el entorno natural serán el trasfondo de algunas de sus investigaciones técnicas y formales. Miró huye del academicismo, a la búsqueda constante de una obra global y pura, no adscrita a ningún movimiento determinado. Contenido en las formas y en las manifestaciones públicas, es a través del hecho plástico donde Joan Miró muestra su rebeldía y una gran sensibilidad por los acontecimientos políticos y sociales que lo rodean. Este contraste de fuerzas le llevará a crear un lenguaje único y personalísimo que lo sitúa como uno de los artistas más influyentes del siglo XX.

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