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Espacio cultura del vino > nueva+york

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12 resultados

FONTELA, Hugo

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Hugo Fontela nace en Grado (Principado de Asturias, España) en 1986. Su formación pictórica estuvo en sus inicios vinculada a la Escuela de Artes y Oficios de Avilés, donde aprende a pintar de una forma académica, y a la Escuela de Arte de Oviedo, donde prepara su ingreso en Bellas Artes, aunque finalmente decide no hacerlo, para trasladarse a vivir a Nueva York con 18 años. Allí amplía sus estudios en The Arts Students League, e instala su estudio-taller.

En 2005 recibe en España el XX Premio BMW de Pintura, que le entrega S.M. La Reina, y en 2007 el Premio al mejor artista de la Feria de Arte Gráfico ESTAMPA, concedido por la Asociación de Críticos de Madrid. En el año 2006 participa junto a Juan Hidalgo, como artista invitado a la XVIII Bienal de Pintura de Zamora. En el 2011 el Museo de la Abadía de Montserrat, en Barcelona, organiza una amplia muestra de sus trabajos realizados en América, que es inaugurada por los Príncipes de Asturias. Ese mismo año, fruto de dos estancias en Río de Janeiro junto a Oscar Niemeyer (2009 y 2011), realiza la muestra Niemeyer by Fontela, en el centro proyectado por el propio arquitecto en Avilés. Desde el año 2005 vive y trabaja en Manhattan.

FUENTE: http://www.hugofontela.es/bio/

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HOCKNEY, David

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David Hockney, a pesar de no haber querido ser etiquetado como artista Pop, es considerado uno de los pintores británicos más influyentes de los siglos XX y XXI en la difusión del Pop Art tanto en la propia Gran Bretaña como en el resto del mundo.
Desde muy joven su interés por el arte le llevó a su incipiente formación en la Bradford School of Art en 1953. En 1957 se trasladó a Londres para asistir al Royal College of Art donde conoció a Ronald B. Kitaj lo que supuso que sus obras abandonaran paulatinamente la abstracción de sus primeros años. Ya en esta época londinense fue capaz de tematizar por primera vez acerca de su homosexualidad, que se convirtió en uno de los principales asuntos de su obra posterior. Hacia 1962, año de su graduación, su obra ya era observada con interés por profesores y críticos de arte.
Hockney visitó Nueva York, donde conoció a Andy Warhol, pero a diferencia de este ha explorado abiertamente la naturaleza del amor gay dentro de sus retratos. Algunas veces representa su amor por el hombre a través de sus obras como en su pintura de 1961 We Two Boys Together Clinging llamada así por un poema de Walt Whitman.
A finales de 1963, el deseo de encontrar una sociedad desinhibida y entrar en contacto con el mundo alternativo californiano sobre el que había leído en las revistas, le impulsó a viajar a la costa oeste estadounidense. El estilo de vida de la costa oeste le cautivó y se dejó sentir en los temas de sus obras que en muchas ocasiones retrataban escenas de piscina con hombres mojados y bronceados por el constante sol de la región.
El óleo dio paso a la pintura acrílica para conseguir superficies planas, anónimas y brillantes, y ya en este momento, la fotografía comenzó a tomar importancia, en principio como método de trabajo, para llegar a independizarse en los collages de fotos polaroid que realizó durante la década de 1980. Asimismo, Hockney ha mostrado un interés incesante por introducir las nuevas tecnologías en su obra, algo que continúa hasta la actualidad.

 

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CALDER, Alexander

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Alexander Calder (Lawnton, Pensilvania, 1898 – Nueva York, 1976) se valió de su genio innovador para cambiar profundamente el curso del arte moderno. Nacido en una familia de célebres artistas, aunque de formación más clásica, Calder desarrolló un nuevo método escultórico: a base de doblar y retorcer alambre, básicamente «dibujaba» figuras tridimensionales en el espacio. Se le reconoce la invención del móvil, cuyos abstractos elementos suspendidos en el aire se mueven y equilibran en cambiante armonía. Acuñado por Marcel Duchamp en 1931, el término móvil hace alusión a «movimiento» y «motivo» en francés. Algunos de esos primeros móviles eran accionados por un sistema de motores que Calder acabó abandonando tras desarrollar otros que reaccionaban a las corrientes de aire, la luz, la humedad o la interacción humana. También creó obras abstractas estacionarias que Jean Arp denominó stabiles.

En la década de los cincuenta Calder empezó a centrarse en los encargos internacionales, dedicándose, cada vez más, a realizar esculturas de grandes dimensiones a base de planchas de acero atornilladas. Entre esos grandes encargos destacan: .125, para la New York Port Authority en el Aeropuerto John F. Kennedy (1957); Spirale para la sede de la UNESCO en París (1958); Teodelapio, para la ciudad de Spoleto, en Italia (1962); Trois disques, para la Expo de Montreal (1967); El Sol Rojopara los Juegos Olímpicos de la Ciudad de México (1968); La Grande vitesse, la primera obra de arte público financiada por el NEA (National Endowment for the Arts), instalada en la ciudad de Grand Rapids, Michigan (1969); y Flamingo, para la General Services Administration de Chicago (1973).

Calder fue objeto en vida de importantes retrospectivas, como las realizadas en la George Walter Vincent Smith Gallery, Springfield, Massachusetts (1938); Museum of Modern Art, Nueva York (1943-44); Solomon R. Guggenheim Museum, Nueva York (1964-65); Museum of Fine Arts, Houston (1964); Musée National d’Art Moderne, París (1965); Fondation Maeght, Saint-Paul-de-Vence, Francia (1969); y Whitney Museum of American Art, Nueva York (1976-77). El artista falleció en 1976 en Nueva York, a la edad de setenta y ocho años.

FUENTE: Centro Botín

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ROBINSON, Zev

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Zev Robinson es un artista canadiense-británico que reside en la región de Valencia en España. Nacido en Israel en 1958, creció en Canadá donde desarrolló y mostró desde joven un fuerte interés por la pintura y el cine.
Realiza estudios de Bellas Artes en Concordia University, Montreal, 1983, donde consigue el premio al mejor estudiante de artes plásticas. Entre 1983 y 1988 reside en Nueva York y completa su Máster en Bellas Artes en Hunter College en 1985.
Viaja por Europa, pintando y viviendo en ciudades como Florencia y Glasgow. Entre 1991 y 1995 vive y trabaja entre Madrid y Valencia. En 1995 establece su residencia en Londres donde trabaja en su arte durante 10 años hasta mudarse al pueblo natal de su esposa, en la región de Valencia.
En Londres forma artafterscience con el programador de ordenadores Adrian Marshall en 2001 para explorar la interacción entre arte, ciencia y tecnología y crear una amplia gama de proyectos, con énfasis en el contenido y sobre cómo el significado es alterado por el contexto y la forma, siempre con una constante inquietud sobre la cultura contemporánea. En 2005 el Consejo Cultural de Inglaterra concede una beca a artafterscience para desarrollar contenidos interactivos con video en directo, detección de movimiento y sonido. Esto le permite desarrollar nuevas posibilidades y nuevos proyectos. Como parte de este proyecto, Zev Robinson ha creado unos 30 videos y ha comisariado diferentes proyecciones y exposiciones, a la vez que ha colaborado en unas series de proyectos de arte new media con Adrian Marshall, como sus construcciones multimedia con esculturas, objetos, fotografías, televisores, luces, circuitos eléctricos programados y video.Ha realizado diferentes proyectos en colaboración con músicos, poetas, performers y científicos. Su trabajo Randomness and Certainty, con entrevistas a 50 científicos, se ha expuesto en el DANA Centre de Londres, y sus performances de video en directo en ciudades como Londres o Valencia. Zev Robinson fue invitado por Walter Thompson como video artista durante el Soundpainting Thinktank en Suecia. En 2008 empieza una serie de documentales. En estos momentos desarrolla nuevos proyectos de video instalación. Para más información y clips visite por favor
www.artafterscience.com. En paralelo con sus trabajo de video y documentales, Robinson ha realizado una serie de fotografías enfocadas en la iconografía cultural popular y la arquitectura.

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JAVACHEFF, Christo

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Artista estadounidense de origen búlgaro, cuyo nombre completo es Christo Javacheff. Sus objetos envueltos son algunos de los ejemplos más extremos del arte conceptual moderno. Vivió en Francia entre 1958 y 1964, año en que se trasladó a Estados Unidos. Es un autor que realiza instalaciones artísticas ambientales, similares al Land Art. Sus primeras obras eran "empaquetages", en las que envolvía botellas, latas o cajas, con tela o plástico. Se hizo muy famoso por sus últimos trabajos, que consistían en empaquetar temporalmente objetos enormes o edificios enteros como el Reichstag de Berlin, "The Gates" en Nueva York, etc.

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CONDÉ, Miguel

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Pintor, dibujante y grabador mexicano. Nació en 1939 en Pittsburgh, Estados Unidos. Vive y trabaja entre Madrid y Sitges, España.Su obra se encuentra dentro de la figuracion, pero realizada de una manera muy personal, ya que en ella priman la fantasia y lo simbólico.
Autodidacta a excepción de estudios de anatomía con Stephen Rogers Peck en Nueva York y técnicas de grabado en el Atelier 17 de Stanley William Hayter en París. Becario de la Fundación Guggenheim para América Latina y del Gobierno Francés, Condé ha recibido varios premios internacionales y es miembro titular de la Societé des Peintres-Graveurs Français. Su obra está representada en numerosos museos y colecciones (The Museum of Modern Art en Nueva York, Cleveland Museum of Art, Blanton Museum of Art en Austin, University of Essex Collection of Latin American Art, Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía en Madrid, Albertina en Viena, Bibliothèque Nationale de France en París, etc.).
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Rodríguez Arnáez, José Manuel. Arnáez. Haro (La Rioja), l5.IV.l944 – Madrid, 2.I.2014.

La infancia de Arnáez (su nombre artístico) transcurrió en su localidad natal, aunque ya en la década de 1960 marchó a Madrid donde estudió en la Universidad Complutense, Económicas y Profesorado Mercantil (siendo, además de lo anterior, diplomado por la Universidad Politécnica de Madrid en Organización y Financiación de Empresas y Contabilidad Matricial, programador de IBM, doctor en Ciencias Políticas y censor Jurado de Cuentas).

Considerado un artista autodidacta, en Haro asistió algunos años en una academia de Dibujo y Pintura (La Cultural de Anzuela), además de haber sido discípulo de Tubía Rosales (también galardón de las Bellas Artes Riojanas).

Su aportación artística comienza con una figuración en la que quedaba impreso el impacto que sobre él ejerciera la llegada a Madrid, denunciando el aniquilamiento del individuo por la inhumanidad urbanística, pasando más tarde a un expresionismo preludiante de lo que sería más tarde el esquema cartesiano en el que se encontrará más cómodo como economista que era.

En su proceso evolutivo, siempre dentro de la abstracción, derivaría hacia formas de hacer en lo que lo “povera” comenzaba a estar presente, de la misma manera que dentro de su organigrama estilístico, superponía a los ejes de coordenadas frases más o menos reconocibles como expresión de ese su sentimiento aparentemente de frialdad matemática. Finalmente, a mediados de la década de 1980, emerge un más optimista cromatismo, incluso introduciendo en su abstractismo referentes clasicistas, mitad antropocentristas mitad espiritualistas –Leonardo, El Greco, Tiziano- pretendiendo reflejar la equiparación del hombre con la perfección universal -Triángulo Áureo- además de introducir elementos de reminiscencias barrocas con veladuras, chorreados y difuminación cromática demostrando hasta que punto su evolución era intensa y de que manera su pintura era más que un reflejo de su particular estado de sentir el arte.

Su obra figura en el Museo de Arte Contemporáneo de Madrid; el Museo Internacional de Arte Contemporáneo de Lanzarote; la Hispanic Society of America (Nueva York); el Plumsites N.V. Coralk Gables de Florida; el Transoil Jersey Coral Gables (Florida); el Museo de San Telmo de San Sebastián; el Museo de Bellas Artes de Granada; el Museo Contemporáneo de Guinea Ecuatorial en Bata; el Museo Internacional Salvador Allende (itinerante); el Museo de Segorbe (Castellón); el Museo de la Fábrica de Cerámica de Sargadelos, en Cervo (Lugo), y en el Museo de La Rioja, demás de en multitud de centros oficiales.

Aparte de su labor como artista interviniente en más de cincuenta exposiciones individuales y más de ciento cincuenta colectivas, está la realizada como investigador, sobre todo de un personaje jarrero de primera magnitud, Manuel Bartolomé Cossío, la desarrollada como articulista en revistas de arte y catálogos, la confección de una decena de libros de artista, la publicación de una docena de libros investigativos de su puño y letra, el diseño de infinidad de logotipos, carteles, diarios, boletines y revistas, sin olvidar su pertenencia a las Asociaciones Madrileña, Española e Internacional, de Críticos de Arte, amén de la organización de numerosas exposiciones sobre personajes y tradiciones de su tierra natal, a la que siempre se ha sentido fervorosamente vinculado.

Su obra ha sido objeto de estudio y comentario por parte de críticos, historiadores, filósofos y escritores de la talla de Alberti, Aranguren, Areán, Bonet Correa, Calvo Serraller, Castro Arines, Cerezales, Manuel Conde, Chávarri, Joan Gil, José María Iglesias, Marín Medina, Rosa Martínez de La Hidalga, Moreno Galvàn, José Luis Sampedro, Juanelo Turriano o Umbral, entre una nómina casi interminable.

FUENTE: Real Academia de la Historia

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WARHOL, Andy

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(Andrew Warhola; Pittsburgh, Estados Unidos, 1928 - Nueva York, 1987)

Artista plástico estadounidense que llegó a ser el más conocido representante del pop art, corriente artística en boga durante las décadas de 1950 y 1960 que se inspiró en la cultura de masas. Hijo de emigrantes eslovacos, inició sus estudios de arte en el Instituto Carnegie de Tecnología, entre 1945 y 1949. En este último año, ya establecido en Nueva York, comenzó su carrera como dibujante publicitario para diversas revistas como Vogue, Harper's Bazaar, Seventeen y The New Yorker.

Al mismo tiempo pintó lienzos cuya temática se basaba en algún elemento o imagen del entorno cotidiano, de la publicidad o el cómic. Pronto comenzó a exponer en diversas galerías. Eliminó progresivamente de sus trabajos cualquier rasgo expresionista hasta reducir la obra a una repetición seriada de un elemento popular procedente de la cultura de masas, el mundo del consumo o los medios de comunicación.

Dicha evolución alcanzó su cota máxima de despersonalización en 1962, cuando pasó a utilizar como método de trabajo un proceso mecánico de serigrafía, mediante el cual reproducía sistemáticamente mitos de la sociedad contemporánea y cuyos ejemplos más representativos son las series dedicadas a Marilyn MonroeElvis PresleyElizabeth Taylor o Mao Tse-tung, así como su célebre tratamiento de las latas de sopa Campbell, obras todas ellas realizadas durante la fructífera década de 1960.

El uso de imágenes de difusión masiva, fácilmente reconocibles por todo tipo de públicos, como las ya mencionadas latas de sopa o los botellines de Coca-Cola, se convirtió en uno de los rasgos más interesantes y estables de toda su producción. En otras ocasiones plasmó crudamente situaciones reales, como accidentes, luchas callejeras, funerales o suicidios; dentro de esta temática, Electric chair es una de sus obras más significativas.

Este apropiacionismo, constante en los trabajos de los partidarios del pop art, se extendió a obras de arte de carácter universal y de autores como Rafael SanzioGiorgio de ChiricoEdvard Munch o Leonardo. Se caracterizan las obras de esta época por su libérrima manipulación y la polémica que suscitaron en su momento. Tanto por el uso del color, unas veces monocromo y otras fuertemente contrastado, pero en todo caso vivo y brillante, como por la temática, su obra resulta siempre provocadora y, a menudo, angustiosa. Mediante la reproducción masiva consiguió despojar a los fetiches mediáticos que empleaba de sus referentes habituales, para convertirlos en iconos estereotipados con mero sentido decorativo.

Otra faceta destacada de su obra es su potentísima fuerza visual, que en buena parte procede de sus conocimientos sobre los mecanismos del medio publicitario. En 1963 creó la Factory, taller en el que se reunieron en torno a él numerosos personajes de la cultura underground neoyorquina. La frivolidad y la extravagancia que marcaron su modo de vida establecieron a la postre una línea coherente entre obra y trayectoria vital; su peculiar aspecto, andrógino y permanentemente tocado con un rubio flequillo característico, acabó por definir un nuevo icono: el artista mismo.

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RAMOS, Mel

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Mel Ramos (Sacramento, California, 1935 es un pintor estadounidense. Integrante del Arte Porp norteamericano de los años 1960.

Frente al grupo de Nueva York formado porAndy Warhol y Roy Lichtenstein y otros, Ramos trabaja en California, lo que va a influir en su trabajo: muestra una sensibilidad diferente a la de los autores de la costa Este. Influido en sus inicios por Willem de Kooning, se alejó más tarde del expresionismo abstracto, corriente de moda cuando era estudiante.

Hacia 1962 comienza una serie de superhéroes sacados de las viñetas del mundo del cómic. Recrea heroínas como Wonder Woman, Phantom Lady o Sheena, de las historietas que leía en su juventud. Su primera exposición individual, en la Galería Bianchini de Nueva York, data de 1964. Desde mediados de los 60 desarrolla un tipo de iconografía que combina desnudos femeninos idealizados (pin-ups) con anuncios de marcas de productos de gran consumo, con todo el cromatismo del Arte pop. Ramos es uno de los primeros artistas del siglo XX que incorporan el arte comercial en su vocabulario formal, y actualmente es uno de los pocos representantes vivos del Pop norteamericano.

Actualmente vive en Horta de Sant Joan, en la provincia de Tarragona, donde también pasó muchos años de su vida Pablo Picasso, que tiene un museo dedicado a él en la localidad.

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VALDÉS, Manuel

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Para Manolo Valdés (Valencia 1942) los trabajos de los grandes creadores, le sirven de “pretexto” para sus planteamientos estéticos, en los que la textura, la materia, la representación del cuerpo humano y la expresividad son palpables en su pintura. En sus trabajos escultóricos, refleja una profunda reflexión sobre la materia y el espacio. Es cofundador del Equipo Crónica. Entre sus muchos reconocimientos ha recibido, la Medalla Nacional de Bellas Artes de España (1985), la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes (1998). En 1999, representó a España en la Bienal de Venecia y en 2007, es nombrado Officier de l’Ordre National du Mérite en Francia. En una pequeña selección de de exposiciones de su extensa trayectoria cabe destacar: Escultura monumental Place Vendôme, París (2016); Manolo Valdés, Marlborough Fine Art London (2016); Sculptures and Works on Paper, Marlborough Gallery, Nueva York (2013); Manolo Valdés, Escultura monumental, New York Botanical Garden, Nueva York (2012); Manolo Valdés, NAMOC National Art Museum of China, Pekín, China (2008); Manolo Valdés 1981-2006, Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid (2006); Manolo Valdés. Pintura y Escultura, Museo Guggenheim, Bilbao (2002). Su obra está presente en numerosas colecciones y museos como: Museo Guggenheim Bilbao Bilbao; Hispanic Society, Nueva York, EE.UU.; IVAM, Valencia; Kunstmuseum Berlín, Alemania; The Metropolitan Museum of Art Nueva York, EE.UU.; Museum of Modern Art, Nueva York, EE.UU; Centre Georges Pompidou París, Francia; Museo de Arte Contemporáneo Patio Herreriano Valladolid; Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid; Museum of Fine Arts Houston, Texas, EE.UU.; Vatican Museum, Ciudad del Vaticano, Roma, Italia. Manolo Valdés es artista Marlborough desde 1989. 
Actualmente vive y trabaja en Nueva York

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