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Espacio cultura del vino > parís

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163 resultados

HERNANDEZ PIJUAN, Joan

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Joan Hernández Pijuan, pintor y grabador, miembro de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, premio Nacional de Artes Plásticas en 1985 y de Arte Gráfico en 2005. Formado en París, siempre fiel al Mediterráneo, Hernández Pijuan partió del noucentisme para abrazar la abstracción, siempre desde un elegante cultivo del color y la trama.

Con Hernández Pijuan desaparece uno de los pintores más sutiles de nuestro tiempo, un pintor que siempre se mantuvo fiel al paisajismo y cuya intensa evolución basada en la reflexión, la evolución y la sintonía con el arte de su tiempo sólo puede explicarse a partir de la sensibilidad y el rigor que caracterizan un interesante proceso pictórico que arranca con el postnoucentisme catalán, aunque pronto se dejó fascinar por la abstracción matérica -la que desarrollarían sus contemporáneos de los grupos Dau al Set o El Paso- y que finalmente, y sin renunciar a sus raíces mediterráneas, adoptó una línea propia de cálculo y mesura de lo que es la tela, más cercana a las tareas del agrimensor o a la meditada geometría del franciscano Luca Pacioli.

Pero más allá de su magisterio y de su dedicación a las técnicas pictóricas, de las que fue un gran experimentador, Hernández Pijuan fue también un destacadísimo grabador, que trabajó en profundidad las técnicas calcográficas y litográficas. No en balde la Calcografía Nacional (Real Academia de Bellas Artes de San Fernando) le otorgó el Premio Nacional de Arte Gráfico.

De alta influencia informalista a la vez que expresionista, Hernández Pijuan es un creador de imágenes elementales que hacen referencia al paisaje y a elementos naturales. Este pintor y grabador elabora composiciones mediante planos uniformes de color neutro sobre los que dibuja formas reticuladas, rombos, líneas zigzagueantes u onduladas, círculos perforados, en un lenguaje sencillo aunque de vigorosa expresividad.

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VALDÉS, Manuel

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Para Manolo Valdés (Valencia 1942) los trabajos de los grandes creadores, le sirven de “pretexto” para sus planteamientos estéticos, en los que la textura, la materia, la representación del cuerpo humano y la expresividad son palpables en su pintura. En sus trabajos escultóricos, refleja una profunda reflexión sobre la materia y el espacio. Es cofundador del Equipo Crónica. Entre sus muchos reconocimientos ha recibido, la Medalla Nacional de Bellas Artes de España (1985), la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes (1998). En 1999, representó a España en la Bienal de Venecia y en 2007, es nombrado Officier de l’Ordre National du Mérite en Francia. En una pequeña selección de de exposiciones de su extensa trayectoria cabe destacar: Escultura monumental Place Vendôme, París (2016); Manolo Valdés, Marlborough Fine Art London (2016); Sculptures and Works on Paper, Marlborough Gallery, Nueva York (2013); Manolo Valdés, Escultura monumental, New York Botanical Garden, Nueva York (2012); Manolo Valdés, NAMOC National Art Museum of China, Pekín, China (2008); Manolo Valdés 1981-2006, Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid (2006); Manolo Valdés. Pintura y Escultura, Museo Guggenheim, Bilbao (2002). Su obra está presente en numerosas colecciones y museos como: Museo Guggenheim Bilbao Bilbao; Hispanic Society, Nueva York, EE.UU.; IVAM, Valencia; Kunstmuseum Berlín, Alemania; The Metropolitan Museum of Art Nueva York, EE.UU.; Museum of Modern Art, Nueva York, EE.UU; Centre Georges Pompidou París, Francia; Museo de Arte Contemporáneo Patio Herreriano Valladolid; Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid; Museum of Fine Arts Houston, Texas, EE.UU.; Vatican Museum, Ciudad del Vaticano, Roma, Italia. Manolo Valdés es artista Marlborough desde 1989. 
Actualmente vive y trabaja en Nueva York

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WINGHE, Joos van

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Pintor renacentista flamenco.

Joos van Winghe estudió arte en su ciudad natal de Bruselas y pasó cuatro años viajando por Roma, Parma y París antes de regresar a Bruselas en 1568. Después de un corto período de tiempo en los Países Bajos gobernados por España, se trasladó a Frankfurt. Los contornos nervudos y rotos, el uso lineal del resaltado blanco, el juego fuerte de la luz, los gestos exagerados y el tratamiento de detalles son características del estilo de dibujo de van Winghe.

Fue el padre del pintor Jeremias van Winghe y es conocido por sus retratos y trabajos de género, así como por las portadas de los libros.

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BARCELÓ, Miquel

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Miquel Barceló Artigues (Felanitx, Mallorca, 1957) es un pintor español.
Un viaje a París en 1970 le permite descubrir el art brut, estilo que deja una fuerte influencia en las primeras obras que presenta en público. Formó parte del grupo Taller Lunátic de Mallorca. Estudió en la Escuela de Artes Decorativas de Palma de Mallorca entre 1972 y 1973 y continuó en 1974 en la Escuela de Bellas Artes de Sant Jordi de Barcelona, pero poco después abandona sus estudios.
Empieza a ser más conocido cuando participa en la Bienal de Sao Paulo (1981) y a raíz de la Documenta VII de Kassel (1982), en que Rudi Fuchs le presenta; desde entonces su obra es incluida en las más prestigiosas muestras internacionales, configurándose como una de las mayores revelaciones del arte español de los años ochenta.
En 1986 se le concede el Premio Nacional de Artes Plásticas y, en 1988, instala su taller en Malí, al mismo tiempo que expone su obra en los museos y salas más relevantes del mundo. Entre ellas, destaca la importante retrospectiva que en 1996 le dedica el Centro Pompidou de París.
En el 2003, ha recibido el Premio Príncipe de Asturias de las Artes, uno de los premios más importantes de España.
En 2004 expuso en el museo del Louvre las acuarelas que creó para ilustrar La Divina Comedia, convirtiéndose en el primer artista contemporáneo vivo que expone en el museo.
En 2008, expone 84 piezas de su obra africana en el Centro de Arte Contemporáneo de Málaga, al mismo tiempo que el desvío de Fondos de Ayuda al Desarrollo (FAD) para la decoración de la Cúpula de la sala XX del Palacio de Naciones Unidas en Ginebra levanta un torbellino mediático.
Actualmente reside entre París, Mallorca y Mali (África). En el caixaforum de Madrid y Barcelona se puede ver la exposición "Miquel Barceló. 1983-2009. La solitude organisative" una retrospectiva de los 25 años del artista.

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THIERRY FRÉRES

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Impresor de grabados de París.

Estuvo activo durante la segunda mitad del siglo XIX

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CROMMELYNCK, Aldo

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Impresor preeminente de finales del siglo XX, se hizo famoso trabajando con Picasso.

Aldo Crommelynck, el grabador más famoso de la segunda mitad del siglo XX, debió su gran avance al mecenazgo de Pablo Picasso. Crommelynck, que murió en su casa de París, de 76 años, y sus hermanos menores, Piero y Milán, dirigieron un exitoso estudio de grabado en huecograbado en París, frecuentado por artistas de la talla de Georges Braque, Alberto Giacometti, Jean Arp, Joan Miró y Le Corbusier.

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BLOEMAERT, Cornelis

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Pintor y grabador especialmente sobre cobre holandés.

Tercer hijo del también pintor y grabador Abraham Bloemaert (1566?-1651?). Activo en Utrech, roma y París.

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DEMARTEAU, Guilles

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Fue a París con su hermano Giuseppe Goldsmith y se hizo famoso como grabador. Perfeccionó el proceso de grabado tal como lo había aprendido de J.-Ch. François. En 1757 recibió del rey el privilegio de grabar y publicar libros de ornato y floram durante diez años. En 1767 exhibió algunos grabados de Boucher y Cochin. En 1770 fue nombrado grabador de los diseños del gabinete del rey. Interpretado con técnica precisa y elegantes obras maestras pintores flamencos e italianos, pero especialmente los principales artistas franceses del siglo XVIII, Watteau, Boucher, Fragonard, J.-B. Huet, Pierre Cochin y Bouchard. Tenía un sobrino Gilles-Antoine Demarteau, nacido en París en 1756 y muerto allí en 1802.Pintor y gravador nacido en Bélgica pero que desarrolló su carrera en Francia. Fue patrocinado por Louis XV, y miembro de la Academia de París en 1764. Fue el inventor de un nuevo modo de grabado, imitando el dibujo a lápiz sanguíneo, y ejecutó muchas obras después de Boucher, Cochin y Huet.

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BOISSIEU, Jean Jacques de

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Artista francés, principalmente dibujante y grabador. Fue apodado «el Rembrandt francés» y gozó de gran estimación en vida; hasta Goethe coleccionaba sus estampas. Su producción pictórica es muy reducida.

Boissieu estudió en la École Gratuite de Dessin en su ciudad natal de Lyon, pero fue bastante autodidacta. Publicó sus primeros grabados en 1758-59.En 1761-64 perfeccionó su arte durante una estancia en París, luego se hizo famoso por poseer y reimprimir numerosas planchas de Rembrandt.En 1764 emprendió el tradicional viaje de formación a Italia. De vuelta en Francia, su prestigio fue creciente: ingresó en la Academia de Bellas Artes de Lyon, fue nombrado Consejero del Rey e incluso obtuvo un cargo como Tesorero de Francia en el Boureau des Finances. Colaboró en la Encyclopédie de Diderot aportando ilustraciones grabadas. 

Al estallar la Revolución Francesa, Boissieu corrió peligro por su cercanía a la monarquía depuesta, pero logró la protección del pintor Louis David, quien así mismo salvaguardó sus planchas evitando que fuesen destruidas o fundidas.

Al contrario que muchos grabadores de la época, que trabajaban con la técnica a buril reproduciendo mayormente composiciones ajenas, Boissieu grababa al aguafuerte temas de diseño propio. Prefirió ceñirse a la realidad circundante (paisajes, retratos de personajes humildes, escenas cotidianas) con un gusto naturalista en lugar de plasmar escenas pomposas al modo académico. Sus principales influencias fueron Rembrandt y demás autores holandeses del siglo XVII. Grabó algunas imágenes de santos inspiradas en José de Ribera (San Jerónimo escribiendo) y Zurbarán (San Francisco); pero incluso en estos casos no copió servilmente, sino que ideó imágenes nuevas.

 

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CHAGALL, Marc

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Pintor francés de origen ruso. Nacido en una pequeña aldea rusa, sus inquietudes artísticas le llevaron a París en 1910, donde alcanzó su madurez artística.
Volvió a Rusia en 1914 y participó activamente en la renovación cultural de su país, pero sus disputas con Malevich y las exigencias revolucionarias de vincular compromiso político y obra artística le llevarían a marchar a Alemania en 1924. Su condición de judío le obligaría después a un peregrinaje por Francia y Estados Unidos, que le devolvería definitivamente a Francia al concluir la Segunda Guerra Mundial.
Su asimilación de las dos vanguardias señeras, fauvismo y cubismo, es patente en los cuadros que realizó en sus primeros años parisienses. Composiciones como El poeta (1911, Philadelphia Museum of Art) y Homenaje a Apollinaire (1912, Stedelijk van Abben Museum, Eindhoven) son plenamente cubistas, mientras otras, como El padre (1911, Colección privada, París) siguen a rajatabla las consignas fauvistas.
Desde el primer momento, sin embargo, estas influencias formales se funden con el sustrato más profundo de sus propias vivencias personales, profundamente arraigadas en su Vitebsk natal y en el hecho de pertenecer a la comunidad. Las referencias al mundo campesino en el que pasó su infancia -las casas aldeanas, la ordeñadora, la pareja de labriegos- así como el motivo vegetal en primer término, son algunas de las imágenes que con mayor constancia repitió a lo largo de toda su obra. Todas ellas tienen como referente común el mundo de su niñez y Chagall hace uso de ellas encastándolas con la arbitrariedad del ensueño y la nostalgia.
En otras ocasiones, la apariencia ilógica de sus imágenes deriva de la simple transcripción al lenguaje visual de expresiones comunes del lenguaje hablado, que Chagall retoma y visualiza como forma de revelar experiencias psíquicas. Así puede interpretarse el flotar en el aire de la pareja de amantes en cuadros como El cumpleaños (1915, MOMA, Nueva York), pintado poco después de su matrimonio con Bella, su musa durante largos años.
La idea de "perder la cabeza" se materializa en A Rusia, los asnos y los demás (1911-1912, Museo Nacional de Arte Moderno, Centro Georges Pompidou, París); donde la cabeza separada del tronco no es sino una arbitrariedad explicable, al igual que la vaca roja sobre un tejado o la ingravidez de la mujer, por el placer de crear una fábula visual donde la irrealidad no necesita justificarse.

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