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Espacio cultura del vino > pop art

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HOCKNEY, David

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David Hockney, a pesar de no haber querido ser etiquetado como artista Pop, es considerado uno de los pintores británicos más influyentes de los siglos XX y XXI en la difusión del Pop Art tanto en la propia Gran Bretaña como en el resto del mundo.
Desde muy joven su interés por el arte le llevó a su incipiente formación en la Bradford School of Art en 1953. En 1957 se trasladó a Londres para asistir al Royal College of Art donde conoció a Ronald B. Kitaj lo que supuso que sus obras abandonaran paulatinamente la abstracción de sus primeros años. Ya en esta época londinense fue capaz de tematizar por primera vez acerca de su homosexualidad, que se convirtió en uno de los principales asuntos de su obra posterior. Hacia 1962, año de su graduación, su obra ya era observada con interés por profesores y críticos de arte.
Hockney visitó Nueva York, donde conoció a Andy Warhol, pero a diferencia de este ha explorado abiertamente la naturaleza del amor gay dentro de sus retratos. Algunas veces representa su amor por el hombre a través de sus obras como en su pintura de 1961 We Two Boys Together Clinging llamada así por un poema de Walt Whitman.
A finales de 1963, el deseo de encontrar una sociedad desinhibida y entrar en contacto con el mundo alternativo californiano sobre el que había leído en las revistas, le impulsó a viajar a la costa oeste estadounidense. El estilo de vida de la costa oeste le cautivó y se dejó sentir en los temas de sus obras que en muchas ocasiones retrataban escenas de piscina con hombres mojados y bronceados por el constante sol de la región.
El óleo dio paso a la pintura acrílica para conseguir superficies planas, anónimas y brillantes, y ya en este momento, la fotografía comenzó a tomar importancia, en principio como método de trabajo, para llegar a independizarse en los collages de fotos polaroid que realizó durante la década de 1980. Asimismo, Hockney ha mostrado un interés incesante por introducir las nuevas tecnologías en su obra, algo que continúa hasta la actualidad.

 

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EQUIPO CRÓNICA

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Estuvo formado por Rafael Solbes y Manolo Valdés, aunque inicialmente también estuvo integrado por Juan Antonio Toledo. Los tres estudiaron en la Escuela de Bellas Artes de San Carlos de Valencia. En agosto de 1964 los dos primeros participaron individualmente en la exposición itinerante por Italia España Libre, y fue a raíz de ese encuentro cuando comenzaron a cuestionarse su práctica artística. Durante aquel verano, y junto a otros artistas, mantuvieron una serie de discusiones teóricas de las que salió el Equipo Crónica. En diciembre de 1965, con el abandono de Juan Antonio Toledo, se configuró el definitivo Equipo Crónica. Esta experiencia singular de trabajo en equipo fue la de mayor duración de la plástica española, siendo la ciudad de Valencia su centro de creación hasta la desaparición en 1981. Partiendo de postulados realistas, su obra acusó inicialmente la influencia del Pop Art, ya que incorporó el uso de iconos procedentes de los medios de comunicación de masas pero, a diferencia de la indeterminación de dicho movimiento, la pintura del Equipo Crónica los utilizó con una intención de crítica social y política referida a la coyuntura española del momento. Pero su inicial inclinación político-social fue dejando paso a una mayor preocupación por cuestiones del lenguaje pictórico.

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ARRIZABALAGA; Victor

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Artista vizcaino nacido en el año 1957, en Mañaria. En 1980 obtiene la Licenciatura en Ciencias Económicas y Empresariales y en 1990-92 realiza los cursos de doctorado en Historia del Arte. Hoy, en la actualidad, reside en Durango (Vizcaya).
A Víctor se le considera artista del Pop Art y es ahí donde se siente más cómodo aunque a él este planteamiento le ha parecido siempre algo reducionista. Lo que es innegable es que en la mayoría de sus obras se plantean diálogos entre la forma y el color.

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LICHTENSTEIN, Roy

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Pintor estadounidense de Pop Art, artista gráfico y escultor, uno de los mayores representantes del Pop Art.

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WARHOL, Andy

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(Andrew Warhola; Pittsburgh, Estados Unidos, 1928 - Nueva York, 1987)

Artista plástico estadounidense que llegó a ser el más conocido representante del pop art, corriente artística en boga durante las décadas de 1950 y 1960 que se inspiró en la cultura de masas. Hijo de emigrantes eslovacos, inició sus estudios de arte en el Instituto Carnegie de Tecnología, entre 1945 y 1949. En este último año, ya establecido en Nueva York, comenzó su carrera como dibujante publicitario para diversas revistas como Vogue, Harper's Bazaar, Seventeen y The New Yorker.

Al mismo tiempo pintó lienzos cuya temática se basaba en algún elemento o imagen del entorno cotidiano, de la publicidad o el cómic. Pronto comenzó a exponer en diversas galerías. Eliminó progresivamente de sus trabajos cualquier rasgo expresionista hasta reducir la obra a una repetición seriada de un elemento popular procedente de la cultura de masas, el mundo del consumo o los medios de comunicación.

Dicha evolución alcanzó su cota máxima de despersonalización en 1962, cuando pasó a utilizar como método de trabajo un proceso mecánico de serigrafía, mediante el cual reproducía sistemáticamente mitos de la sociedad contemporánea y cuyos ejemplos más representativos son las series dedicadas a Marilyn MonroeElvis PresleyElizabeth Taylor o Mao Tse-tung, así como su célebre tratamiento de las latas de sopa Campbell, obras todas ellas realizadas durante la fructífera década de 1960.

El uso de imágenes de difusión masiva, fácilmente reconocibles por todo tipo de públicos, como las ya mencionadas latas de sopa o los botellines de Coca-Cola, se convirtió en uno de los rasgos más interesantes y estables de toda su producción. En otras ocasiones plasmó crudamente situaciones reales, como accidentes, luchas callejeras, funerales o suicidios; dentro de esta temática, Electric chair es una de sus obras más significativas.

Este apropiacionismo, constante en los trabajos de los partidarios del pop art, se extendió a obras de arte de carácter universal y de autores como Rafael SanzioGiorgio de ChiricoEdvard Munch o Leonardo. Se caracterizan las obras de esta época por su libérrima manipulación y la polémica que suscitaron en su momento. Tanto por el uso del color, unas veces monocromo y otras fuertemente contrastado, pero en todo caso vivo y brillante, como por la temática, su obra resulta siempre provocadora y, a menudo, angustiosa. Mediante la reproducción masiva consiguió despojar a los fetiches mediáticos que empleaba de sus referentes habituales, para convertirlos en iconos estereotipados con mero sentido decorativo.

Otra faceta destacada de su obra es su potentísima fuerza visual, que en buena parte procede de sus conocimientos sobre los mecanismos del medio publicitario. En 1963 creó la Factory, taller en el que se reunieron en torno a él numerosos personajes de la cultura underground neoyorquina. La frivolidad y la extravagancia que marcaron su modo de vida establecieron a la postre una línea coherente entre obra y trayectoria vital; su peculiar aspecto, andrógino y permanentemente tocado con un rubio flequillo característico, acabó por definir un nuevo icono: el artista mismo.

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