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Espacio cultura del vino > expresionismo

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BUFFET, Bernard

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Bernard Buffet, fue un pintor y grabador francés expresionista, que se interesaba tanto por los personajes como por las figuras, los animales, los desnudos, los paisajes, los interiores, las flores y las naturalezas muertas. Fue también acuarelista, pintor de decorados de teatro e ilustrador.

A partir de 1942 siguió los cursos nocturnos que organizaba el Ayuntamiento de París y donde el Sr. Darbefeuille le inició en el dibujo. Obtuvo plaza para estudiar en la Escuela nacional superior de Bellas Artes de París en diciembre de 1943, y pasó dos años en el estudio del pintor Eugène Narbonne. Allí se hizo amigo de los también pintores Maurice Boitel y Louis Vuillermoz. En 1946 expuso su primer cuadro, un autorretrato, en el Salón de los menores de treinta años en la ‘Galerie des beaux-arts’.

En 1955, fue el más votado en el referéndum organizado por la revista Connaissance des arts con el fin de escoger los diez mejores pintores de la post-guerra. En ese año también pintó las maquetas de los decorados y del vestuario de La Chambre , una obra de teatro de Georges Simenon. En 1958, tuvo lugar la primera retrospectiva de su obra en la galería Charpentier de París y Pierre Bergé publicó el libro Bernard Buffet.

En 1986, Annabel Buffet publicó D’amour et d’eau fraîche ; y el mismo año Yann Le Pichon publicó el libro  Bernard Buffet en dos  tomos que obtuvo el premio Elie-Faure. Ya en 1989, Alin Avila publicó Bernard Buffet.

Bernard Buffet hizo numerosas exposiciones individuales, de las que podemos destacar las realizadas en New York, Chicago, Palm Beach, Montreal, Vancouver, Tokio, Osaka, Johannesburgo, Londres, Ámsterdam, Bruselas, Berlín, Varsovia, Basilea, Zúrich, Ginebra, Roma, Venecia, Milán o Madrid.

También fue frecuente su incursión en el campo de la ilustración. En este sentido podríamos citar los libros: Les Chants de Maldoror, de Lautréamont, 1952; Recherche de la Pureté, de Jean Giono, 1953; La Passion du Christ, 1954; La Voix Humaine, de Jean Cocteau, 1957; Les Voyages Fantastiques, de Cyrano de Bergerac, 1958; Saint-Cast, poema de Baudelaire, 1962; Toxique, de Françoise Sagan, 1964; Mon Cirque, 1968;  Jeux de Dames, con poemas de Verlaine, Rimbaud y Baudelaire, 1970;  L’Enfer, de Dante, 1976; y La Révolution Française, 1977.

Fue extraordinariamente prolífico en el campo de la estampa, básicamente utilizando la técnica de la litografía

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CLAVÉ SANMARTÍ, Antoni

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Uno de los artistas catalanes más relevantes del arte contemporáneo, nace en Barcelona en 1913.

Tras formarse con Ángel Ferrant y Josep Mongrell -de quienes recibe clases de modelado y de dibujo respectivamente- Antoni Clavé emigra a Francia en donde establece su residencia de forma definitiva. Allí desarrolla una carrera artística que, inserta en la corriente informalista de los años de posguerra, vira hacia el Expresionismo en la década de los sesenta. Su faceta de grabador aparece indisoluble de su cualidad de pintor, desarrollando mismos temas y planteamientos pero abordados desde técnicas distintas. A este respecto, su producción gráfica se articula entorno a dos ejes: la experimentación y la tradición a la vez que, desde el punto de vista del lenguaje, Clavé fluctúa entre la referencia figurativa y la abstracción. En definitiva Clavé es un artista polifacético, que ha sintetizado la figuración con la abstracción, los efectos del trompe-l’oeil con la fuerza de la materia, la incorporación del objeto con el trazo gestual y las fuentes de la tradición con las inquietudes de las vanguardias. Su exilio a París y su amistad con Pablo Picasso lo sumergieron en el mundo del collage y del ensamblaje. Investigador de todo tipo de texturas y materiales,

Con relación a las técnicas, Clavé se inicia en las tradicionales: litografía (1941) y aguafuerte (1964), aunque su reconocimiento dentro del panorama gráfico español obedece a su vocación experimental e innovadora, al llevar al extremo la capacidad plástica del grabado mediante el uso de la técnica del carborundo (1968) -consistente en añadir sustancias líquidas pero también resinas y polvo de materias diversas en la plancha de grabado-, y la del gofrado -por la que confiere a la plancha la huella en relieve de diversos materiales u objetos- o la estampación sobre planta offsetde aluminio (1972). Estas técnicas le permiten abundar en un lenguaje más abstracto y la obra resultante se hace más compleja en cuanto a su materia.

Por otro lado, el crítico e historiador, Francesc Miralles reconoce que a raíz de su segundo viaje a Japón (1986), la obra de Clavé revela la impronta de la estética y la producción artística de este país. Ello se advierte en la tendencia a la lectura vertical del grabado, además de por la inclusión de sellos rojos como las firmas que remiten a la del poeta y la del coleccionista, pero sobre todo por la especial valoración y relativización de los fondos.

Galardonado con la Medalla de Oro del Círculo de Bellas Artes (1984), la Medalla de Oro de la Generalitat de Cataluña por su arte innovador, y el premio de la UNESCO en la apartado de grafismo. 

FUENTE: Museo Reina sofía y Fundacio Vila Casas

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MIRA, Victor

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Pintor, grabador, escultor y escritor autodidacta aunque también se debe destacar sus incursiones en el teatro, la fotografía, la cerámica y sus trabajos en carteles, libros, objetos y otros proyectos. Realizó su primera exposición individual a los dieciocho años en Zaragoza. Más tarde y tras residir en Barcelona, se traslada a Heildelberg (Alemania). Su obra de gran carga expresionista en la que cohabitan figuración y primitivismo es mostrada en sus primeras exposiciones. En la década de los ochenta, su obra se centra en la temática de naturalezas muertas donde el protagonista es la calavera sobre un plato o mesa. Su trayectoria, nacional como internacional, se refleja en la multitud de museos y colecciones privadas y estatales que poseen obra del artista. Así cabe destacar el Museo de Arte Moderno de Nueva York, el Museo Reina Sofía. Es elegido como el mejor artista de la Feria de Arco 2003. www.josedelamano.com/pages/victormira

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