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Roma, 1665

Es el pintor más importante del siglo XVII francés y el maestro fundamental del clasicismo. Se formó en su región de nacimiento con un autor tardo-manierista y más tarde en París. Gracias a la amistad que le unía con el poeta Giambattista Marino viajó a la península Itálica y se introdujo en los medios romanos intelectuales más avanzados, conociendo al tiempo a los mecenas y protectores de las artes en la Ciudad Eterna, donde se estableció. El éxito de Poussin radica en el rechazo del caravaggismo, que comenzaba a pasar de moda, y en la adopción de los grandes ejemplos del Renacimiento, modernizados en un sentido clasicista barroco templado. Admirador de Giulio Romano, y sobre todo deRafael, se dedicó a un clasicismo puro influido por Domenichino y por otros pintores de espíritu similar; así pronto poseyó una expresión artística personal, nacida del conocimiento de la antigüedad clásica -estudió textos, esculturas, bajorrelieves y restos arquitectónicos-, y de la profunda observación de la naturaleza. Su estiló se fue rodeando de un aura erudita de origen grecolatino y sus escenas comenzaron a aparecer compuestas con mesura y equilibrio. Hacia 1630 la influencia veneciana que alcanza a los autores del ámbito romano, enriqueció la intelectualizada estética del pintor revitalizando sus experiencias por medio del color. A lo largo de su vida ejecutó tanto escenas alegóricas, mitológicas o históricas, destinadas a una clientela escogida y culta formada por gentes letradas, como pinturas religiosas, dotadas de solemne monumentalidad, aunque a menudo frías. Aparte de estos temas se dedicó ampliamente al paisaje, unas veces como fondo de sus composiciones, y otras en calidad de verdadero protagonista; sus panoramas, bellísimos, son de una construcción lógica admirable, serenos o tempestuosos, pero con un aire de consciente intemporalidad. Poussin es el prototipo del artista filósofo, preocupado por la expresión de su arte, al que dotó de un sobrio contenido moral. Cada una de sus obras simboliza una acción humana que transmite un mensaje de notable hondura espiritual. Sus ideas se independizan del azar y sus composiciones se muestran pensadas hasta en los menores detalles. Vivió siempre en Roma, salvo un breve intermedio en París, entre 1640 y 1642. El Museo del Prado posee un conjunto de obras maestras de su mano de gran importancia y también algunas de ciertos colaboradores, seguidores e imitadores bien identificados (Luna, J. J.: De Tiziano a Goya. Grandes maestros del Museo del Prado, National Art Museum of China-Shanghai Museum, 2007, pp. 300-301).

Nacido en una localidad a medio camino entre Ferrara y Bolonia, desde muy pronto recibió el apodo de "Il Guercino", debido a su estrabismo ("quercio" en italiano es bizco). Su formación fue esencialmente la de un autodidacta, en un ambiente artístico particularmente rico: el estudio de los cuadros de altar de Ludovico Carracci, que podía ver en Cento o en Bolonia, introdujo en sus obras un dinamismo vehemente y una gran fluidez de ejecución. No obstante, se advierten igualmente en esa primera etapa de su producción elementos de la tradición veneciana, filtrada por el ejemplo ferrarés de Scarsellino y reforzados por una estancia en Venecia en 1618. Resultado de todo ello es la elaboración deun estilo naturalista muy personal que llegaría a la madurez entre 1619 y 1620, dándole una notoriedad entre los clientes que sobrepasó ampliamente el ámbito local, especialmente después de recibir encargos de instituciones religiosas y de los cardenales Ludovisi, en Bolonia, y Serra, en Ferrara, hasta ser llamado a Roma en 1621 por el nuevo Papa, Gregorio XV. En la Ciudad Eterna llevó a cabo la pintura de la bóveda del Casino Ludovisi con el tema de "La Aurora", cuyo sentido del espacio ya barroco y su extraordinaria libertad pictórica le ganaron general admiración. A este éxito se sumó la creación de un gran cuadro de altar en 1623 para la basílica de San Pedro del Vaticano, "El entierro de santa Petronila", en el que se advierten las primeras señales de una reorientación radical hacia una estética mucho más clásica, influida por el ejemplo de las obras de Domenichino y las teorías artísticas de Agucchi. De regreso a Cento, a la muerte del pontífice en 1623, asumió renovadas ideas clasicistas, al gusto de Guido Reni, templando su ímpetu pictórico. Pintó mucho, con ayuda de un importante taller, debido a los numerosos encargos que recibía de toda Italia, e incluso de otros países. A la muerte de Guido Reni en 1642 se trasladó a Bolonia, ocupando de este modo el puesto vacante de "jefe de la escuela". En su etapa final se aprecian pormenores y refinamientos que anuncian las gracias del siglo XVIII. Infatigable dibujante -a su muerte había en su taller miles de dibujos de su mano- Guercino legó a la posteridad una inmensa producción pintada que por su abundancia, diversidad de invención y rasgos de emoción de una profunda sinceridad, merece ser tenida en cuenta al lado de la de los más grandes autores del siglo XVII, tal y como reconocieron sus coetáneos.

FUENTE: Museo del Prado

Jacques Callot (Nancy, 1592 - Nancy, 1635) fue un dibujante y grabador barroco del Ducado de Lorena, región entonces independiente y luego anexionada a Francia. Es una de las figuras importantes en la historia del grabado.
Realizó más de 1.400 planchas que suponen un fresco y una crónica del periodo que vivió. Representó a soldados, payasos, gitanos, mendigos, así como vida de la corte. También grabó al aguafuerte muchas imágenes religiosas y militares, y muchas impresiones incluyen paisajes en su fondo. Han sobrevivido 2.000 dibujos y estudios preparatorios para sus estampaciones, pero no se conoce ninguna pintura de su autoría y probablemente nunca ejerció como pintor.
Su padre era el maestro de ceremonias en la corte del Duque de Lorena. A los quince años entró de aprendiz en el taller de un orfebre. Se trasladó a Roma, donde el francés Philippe Thomassin le enseñó la técnica del grabado. Probablemente aprendió la técnica del aguafuerte con Antonio Tempesta en Florencia, donde vivió de 1612 a 1621. Trabajó para Cosme II de Médicis; cuando éste falleció, regresó a Nancy.
En Nancy, trabajó para la corte local, para editores parisinos e incluso para la corte española. Exceptuando algún viaje, residió el resto de su vida en Nancy y allí produjo sus planchas.
Su aportación al arte del grabado no fue sólo creativa, sino también técnica, pues introdujo el uso de un barniz especial de luthiers para el grabado al aguafuerte. Este barniz, más fiable que la tradicional capa de cera, permitía someter las planchas de cobre a más baños de ácido sin miedo a accidentes que malograsen todo el trabajo. De este modo, el proceso de grabado a aguafuerte pudo abordarse en más pasos intermedios, con mayor riqueza de detalles, igualando a otras técnicas gráficas anteriores (punta seca, buril).
Creó dos famosas series sobre Las miserias de la guerra, inspiradas en los sucesos de la Guerra de los Treinta Años. Su publicación en 1633 coincidió con la ocupación de la Lorena por las tropas francesas; se decía que estos hechos las inspiraron, aunque Callot había empezado a grabar las planchas tiempo antes. Influirían en Los desastres de la guerra de Goya.
Sus planchas de mendigos fueron recreadas por Rembrandt, Jan van Vliet y Pieter Quast, entre muchos otros grabadores.

Pintor flamenco, maestro en Amberes desde 1602-1603. La ausencia de fechas en sus obras hace difícil establecer una cronología de su producción. Se puede definir como un pintor especializado en pintura de género, con especial atención a las representaciones alegóricas al modo de Los cinco sentidos (Musée Municipal, Cambrai). En este tipo de pintura alegórica demuestra una gran influencia de la escuela de Fontainebleau y de los flamencos Frans Francken I y David Winckenboons. También realizó paisajes, donde se puede observar su aprendizaje con Joost de Momper hacia 1593-1594. En 1602-1603 entró en el Gremio de Pintores de San Lucas de Amberes, ciudad donde desarrolló toda su carrera, aunque se le supone un viaje a Italia, hasta ahora no documentado. Sus producciones más significativas son elegantes representaciones cortesanas, tanto en interiores como en jardines, aunque también elaboró algunas pinturas de temática religiosa, como, por ejemplo, la Crucifixión (Prado), tema del que realizará varias réplicas. Sus figuras mantienen cierta relación formal con las de Hieronimus Francken II, especialmente en la ­expresión facial y la utilización del color negro para los ojos, aunque en Caulery son más evidentes los estereotipos y la sensación acartonada de sus personajes. La disposición de las figuras en composiciones cuidadosamente elaboradas y su agrupamiento en distintos conjuntos son características de sus pinturas, así como la utilización de medias tintas y tonalidades ocres junto con el verde veronés. Los espacios arquitectónicos en los que sitúa sus composiciones tienen un evidente recuerdo de las perspectivas de Vredeman de Vries y Hendrick van Steenwijck en los caprichosos fondos palaciegos. La colaboración con otros artistas como Abel Grimmer, y cierto gusto este­reotipado de su pintura provoca que a menudo se confunda con la de artistas como Frans Francken II, Kerstiaen de Keunink o Anthony van de Velde.

FUENTE: Museo del Prado

Grabador, dibujante y pintor holandés. Cuando su madre contrajo matrimonio con Heindrick Goltzius en 1579, este tomó a Jacob como aprendiz. Matham trabajó con Goltzius de manera más cercana que otros de sus discípulos, realizó numerosas estampas a partir de dibujos y pinturas de su padrastro y recreó su lenguaje artístico de tal manera que en ocasiones es difícil percibirlo como un artista independiente y de personalidad propia. Otros manieristas de Haarlem como Bartholomaeus Spranger y Jan Speeckaert también le influenciaron.

Tras el regreso de Goltzius de Italia, el propio Matham estuvo allí entre 1593 y 1597 trabajando principalmente en Roma y Venecia. Con posterioridad realizó estampas a partir de obras de Tintoretto, Palma el Joven y Taddeo Zuccaro, además de otras a partir de creaciones de artistas nórdicos como Durero o Pieter Aertsen. En 1605 fue nombrado presidente del gremio de pintores de San Lucas de Haarlem y hacia 1630 era grabador de corte en La Haya.

Técnicamente, la influencia de su maestro y padrastro es especialmente perceptible en el manejo del buril produciendo resultados que semejan dibujos a lápiz. Jacob formó después a sus tres hijos en el arte del grabado; entre ellos destacó Adriaen Matham (1599-1660) que dejó testimonio en estampas y dibujos de un viaje diplomático a Marruecos, además de diversos acontecimientos políticos en la corte de La Haya.

FUENTE: Museo del Prado

Uno de los más importantes pintores del renacimiento español, dominador absoluto del panorama valenciano a mediados del siglo XVI. La autoría de algunas de sus obras está todavía en discusión, adjudicándoselas a su padre, el pintor Juan Vicente Masip que, activo ya en 1493, fue, sin duda, uno de los grandes pintores valencianos de la primera parte del quinientos. Su hijo Juan comenzó a trabajar en el taller paterno y juntos colaboraron en la realización de numerosos trabajos. El nombre de Juan aparece por vez primera en relación con el retablo de la catedral de Segorbe, en 1531. Es por esos años cuando se aprecia una profunda renovación estilística en la obra de Juan Vicente Masip. Las posturas son divergentes a la hora de valorar si la posible maduración lograda por su hijo Juan influyó en el padre, o si, por el contrario, fue la influencia de éste la que marcó dicha evolución en el hijo. Lo cierto es que a partir de los años treinta, Juan de Juanes se afianza como la personalidad dominante del taller, y llega a convertirse en la figura artística más respetada y requerida de Valencia. Las alabanzas de los escritores contemporáneos nos dan idea de la fama que logró en vida. Juanes estuvo en contacto con la cultura literaria y los importantes círculos humanísticos de la capital virreinal y parece haber sido un artista de intensa preocupación intelectual, que dominaba el latín, y quizá a causa de ello latinizó su nombre, haciendo parangonable su obra con la de los mejores pintores de la Antigüedad, y huyendo del más pedestre apellido «Maçip». Su pintura mantiene un componente flamenco que pudo renovar visitando las colecciones de personajes notables a los que frecuentó, como Mencía de Mendoza. A ello se une la influencia predominante italiana, que desde el leonardismo presente en la Valencia de los Hernando, se actualiza con la influencia de Rafael y el conocimiento de la pintura de Sebastiano del Piombo. Las obras de este último, traídas a Valencia por Jerónimo Vich, embajador en Roma hasta 1521, son indispensables para entender la pintura de Juanes, cuyos modelos se encuentran ya en el comentado retablo de Segorbe. A pesar de que las influencias italianas son tan evidentes que han hecho pensar en un posible viaje de Juanes a Italia, sin embargo, podrían explicarse por el pleno conocimiento del arte italiano que el artista pudo adquirir en el ambiente artístico valenciano. Es probable que hubiera visto la obra de Rafael a través de estampas y no directamente. Aunque en Juanes es preponderante la pintura de temática religiosa, también llevó a cabo obras mitológicas y una serie de retratos de los prelados de la catedral de Valencia, de Alfonso V y de don Luis Castellà de Vilanova, señor de Bicorp (Prado). Donde Juanes alcanza una de sus máximas cotas es en los lienzos del Retablo de san Esteban (Prado), pintados para el retablo mayor de la iglesia de San Esteban de Valencia hacia 1562 y que permanecieron allí hasta su adquisición por Carlos IV alrededor de 1800. En ellos el pintor se muestra en plena forma, dominando todos los recursos pictóricos. Exquisito dibujante, muestra a la vez un colorido rico y brillante, los fondos de las pinturas se articulan con evocadores paisajes poblados de arquitecturas y ruinas clásicas, compuestas como citas eruditas, mientras dota a sus personajes de una gestualidad retórica que demuestra su conocimiento y meditación sobre los tratados de elocuencia clásica (García López, D. en: E.M.N.P., 2006, tomo IV, pp. 1356-1357).

Johann Heinrich Wilhelm Tischbein, también conocido como Goethe-Tischbein (nacido el 15 de febrero de 1751 en Haina; muerto el 26 de febrero de 1829 en Eutin) era un pintor alemán. Él era un descendiente de la Familia Tischbein de pintores, y una pupila de su tío Johann Jacob Tischbein.
Como muchos colegas contemporáneos, Tischbein vivió en Roma durante algunos años. Durante su primera permanencia en Roma (1779-1781) su estilo cambió de Rococó a Neoclasicismo. Él pintó paisajes, escenas históricas y naturalezas muertas. Su segunda permanencia en Roma duró 16 años (1783-1799). Él encontró a Johann Wolfgang von Goethe allí en 1786, trabó amistad con él y lo acompañó a Nápoles en 1787. Más tarde, Goethe relató estos viajes en su Viaje italiano. También en 1787, Tischbein pintó su trabajo más famoso, un retrato de Goethe como un viajero en el Campagna Romana (ahora en el museo Städel, Frankfort )